Ivan Fedele apprend le piano avec Bruno Canino au conservatoire Giuseppe Verdi à Milan et obtient son diplôme en 1972. Il se consacre ensuite à la composition qu’il étudie auprès de Renato Dionisi, Azio Corghi à Milan et Franco Donatoni à Rome. Il suit également des cours de musique électronique avec Angelo Paccagnini et de philosophie à l’université de Milan. C’est le prix Gaudeamus, qu’il obtient à Amsterdam en 1981 pour Primo Quartetto et Chiari qui le révèle à la scène contemporaine internationale.

L’œuvre d’Ivan Fedele se fonde sur plusieurs caractéristiques essentielles : l’interaction permanente entre les principes d’organisation et de liberté ; la volonté de transmettre des formes facilement identifiables sans céder sur la richesse de l’écriture musicale ; un rapport éminemment musicien à la technologie. Fedele, en ce sens, cherche à concevoir de nouvelles stratégies formelles qui allient certains aspects narratifs du modèle symphonique classico-romantique et les innovations d’écriture ou les nouveaux moyens électroniques du dernier demi-siècle.

Pédagogue reconnu, Ivan Fedele poursuit une intense activité d’enseignement et est à ce titre invité par diverses institutions renommées (universités de Harvard, de Barcelone, la Sorbonne, l’Ircam, l’académie Sibelius d’Helsinki, l’académie Chopine de Varsovie, le Centre Acanthes, le CNSM de Lyon, les conservatoires de Bologne et de Turin). Il a par ailleurs été longtemps professeur de composition aux conservatoires de Strasbourg et de Milan.

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Ivan Fedele © Ugo Dalla Porta

De son vrai nom Robin Rimbaud, l’artiste britannique connu comme Scanner traverse les champs expérimentaux à la croisée du son, de l’espace, de l’image et des formes, suscitant des œuvres sonores intégrant une multitude de couches signifiantes, qui s’emparent et détournent avec un malin plaisir les outils technologiques. De ses travaux conçus à partir de conversations téléphoniques cellulaires traitées comme des objets trouvés jusqu’à ceux qui s’attachent aux bruits cachés de nos métropoles modernes en tant que lieu d’émergence de sens dissimulés et de rencontres ratées, ses inlassables explorations lui ont gagné l’admiration d’artistes aussi variés que Bjork, Aphex Twin et Stockhausen.

Son travail aspire à rapprocher une variété renversante de genres et de disciplines – citons parmi d’autres le design sonore, la musique de film, l’informatique musicale, l’avant-garde numérique, la composition contemporaine, la performance multimédia d’envergure, le design de produits commerciaux, l’architecture, la mode, le rock et le jazz. Scanner ne cesse jamais d’innover, tant par le format de ses œuvres (certaines supposent une vingtaine de représentations simultanées un peu partout dans le monde) et les outils auxquels il a recours, que par le contexte et les lieux de ses performances (salles de spectacle, opéras ou salles de concert symphonique, caves, extérieurs rue, déserts, musées, publicité, radio, cinéma…) ou par la variété du matériau musical dont il s’empare.

Scanner

Né à Southfields, Londres, en 1964, Scanner étudie les arts modernes à la Kingston University et commence à composer pour des productions professionnelles dès 1982. Depuis, il développe une intense activité dans les domaines de l’art sonore : il se produit en concert, compose, conçoit des installations et enregistre des albums comme Mass Observation (1994), Delivery (1997) et The Garden is Full of Metal (1998).

Scanner s’attache à développer des collaborations avec des artistes d’avant-garde de tous horizons : citons les musiciens Bryan Ferry, Radiohead, Carsten Nicolai et Laurie Anderson, The Royal Ballet ou les compagnies de danse de Merce Cunningham, Wayne McGregor et Random Dance, les couturiers Hussein Chalayan et Shelley Fox, les compositeurs Michael Nyman et Luc Ferrari, et les artistes Steve McQueen (cinéaste et vidéaste), Mike Kelley (arts visuels), Derek Jarman (cinéaste) et Miroslaw Balka (scupteur et vidéaste).

Guy Cassiers © Koen Broos

Guy Cassiers appartient au cénacle des plus grands créateurs européens de théâtre. Son langage théâtral singulier, qui fait s’unir la technologie visuelle à la passion pour la littérature, est apprécié tant dans son propre pays qu’à l’étranger.

Ces dernières années, de 2006 à 2008, Guy Cassiers s’est concentré, dans son Triptyque du pouvoir, sur les relations complexes entre l’art, la politique et le pouvoir. Il a continué sur ce thème dans un nouveau triptyque autour de L’Homme sans qualités, le grand roman de Robert Musil. Outre le visuel, la musique joue un rôle toujours plus important dans les spectacles de Cassiers, comme le prouvent sans conteste les deux créations d’opéras qu’il a montées en 2009 : House of the Sleeping Beauties (Les belles endormies) (musique de Kris Defoort) et Adam in Ballingschap (Adam en exil) (musique de Rob Zuidam).

L’intérêt croissant de Guy Cassiers pour l’histoire politique européenne ressort également de projets comme Sang & roses, le chant de Jeanne et Gilles (2011), qui traite du pouvoir et des manipulations de l’Église, et Cœur ténébreux d’après Heart of Darkness de Joseph Conrad (2011) qui se situe dans le passé colonial. Avec des productions telles que SWCHWRM (2010), Guy Cassiers ose donner une touche plus légère à ses œuvres, que l’on retrouve aussi dans Au beau milieu de la nuit.

Depuis près de vingt-cinq ans Pierre-André Valade mène une active carrière de chef invité et se produit dans le monde entier. Cofondateur en 1991 de l’ensemble Court-circuit, dont il reste le directeur musical durant seize années jusqu’en janvier 2008, il prend les fonctions de chef principal d’Athelas Sinfonietta Copenhagen pour cinq saisons de septembre 2009 à juin 2014 et devient en 2013 principal chef invité de l’Ensemble orchestral contemporain.

Pierre-André Valade © Claude Dufêtre

Il fait ses débuts symphoniques en 1996 avec la Turangalîla Symphonie d’Olivier Messiaen au Festival of Perth (Australie), à la tête du West Australian Symphony Orchestra. Il reçoit alors de nombreuses invitations en Europe, parmi lesquelles celle du Bath International Music Festival où il dirige pour la première fois le London Sinfonietta dont il est depuis fréquemment l’invité. C’est à la tête de cet ensemble qu’il participe à l’hommage à Pierre Boulez au South Bank Centre de Londres en 2000 pour le 75^e anniversaire du compositeur, qu’il se produit au Festival de Sydney, et qu’il dirige, notamment aux Proms de Londres, Theseus Game de Harrison Birtwistle, œuvre pour deux chefs et grand ensemble dont il donne la création mondiale en novembre 2003 à Duisburg avec Martyn Brabbyns, cette fois à la tête de l’Ensemble Modern de Francfort.

Si Pierre-André Valade dirige régulièrement les plus importants ensembles européens dévoués au répertoire du XX^e siècle, on le retrouve également à la tête de grandes formations symphoniques dans des œuvres majeures du répertoire (Mahler, Debussy, Ravel, Wagner, Stravinsky, Bartók…). Ainsi, il s’est produit à la tête du Philharmonia Orchestra, a dirigé les solistes de la Philharmonie de Berlin, l’Orchestre de la Tonhalle de Zurich, l’Orchestre Philharmonique du Luxembourg, le B.B.C. Symphony Orchestra, le Göteborgs Symfoniker, l’Orchestre Philharmonique de Radio-France, l’Orchestre symphonique de Montréal, ou encore le Sinfonieorchester Basel, l’Orchestre symphonique de la radio nationale de Pologne Katovice, le Tokyo Philharmonic et d’autres orchestres. Son concert donné en août 2008 à la tête du Tokyo Philharmonic a été salué comme l’un des trois concerts de l’année 2008 au Japon. Il reçoit la même année le Grand Prix de l’Académie Charles Cros dans la catégorie chef d’orchestre, où il est seul nommé, pour plusieurs de ses enregistrements discographiques. En 2014, il fait ses débuts avec l’Orchestre Philharmonique de Séoul et l’Orchestre de la Scala de Milan.

Lucas Vis se fait remarquer pour la première fois en 1967, lorsqu’il remporte un prix lors d’une master class au Mozarteum de Salzbourg. Il a depuis dirigé le Nederlands Ballet Orkest et s’est produit en tant que chef invité à l’Orchestre du Concertgebouw, au Residenz-Orchester et quelques autres orchestres de radio néerlandais. Assistant de Bruno Maderna entre 1967 et 1973, il reçoit le prix de composition Koussevitzky de Tanglewood en 1971, et travaille avec des compositeurs tels que John Cage, Mauricio Kagel, Karlheinz Stockhausen et Louis Andriessen, parmi d’autres. De 1988 à 1996, Lucas Vis dirige le Noordhollands Philharmonisch Orkest d’Haarlem. Dans la fosse du Nederlands Oper, il dirige aussi bien le grand répertoire que la création de nombreux ouvrages de compositeurs néerlandais comme Otto Ketting, Theo Loevendie ou Guus Janssen. Lucas Vis est également chef invité de maints orchestres et ensembles allemands. Depuis 1998, il est recteur du conservatoire d’Amsterdam.

Lucas Vis © Astrid Ackermann

Héritier du premier orchestre philharmonique créé dans les années 1930 par la radio française, l’Orchestre Philharmonique de Radio France a été refondé au milieu des années 1970 sous l’inspiration des critiques formulées par Pierre Boulez à l’encontre de la rigidité des formations symphoniques traditionnelles. Au contraire, l’orchestre peut se partager simultanément en plusieurs formations du petit ensemble au grand orchestre, pour s’adapter à toutes les configurations du répertoire du XVIII^e siècle à nos jours.

Le compositeur Gilbert Amy et le chef Marek Janowski en ont été les premiers directeurs musicaux. Myung-Whun Chung, qui a fêté en 2010 ses dix ans à la tête de l’orchestre, peut se réjouir de le voir aujourd’hui reconnu comme l’une des plus remarquables phalanges européennes. Les plus grands musiciens sont venus enrichir le travail de l’orchestre aux côtés de Myung-Whun Chung, comme Pierre Boulez, Esa-Pekka Salonen, Ton Koopman, ou les meilleurs chefs de la jeune génération, Gustavo Dudamel, Mikko Franck, Alan Gilbert, Daniel Harding et Lionel Bringuier.

Orchestre Philharmonique de Radio France© JF Leclerc

En résidence dans le nouvel auditorium de Radio France, l’orchestre participe aussi à la programmation de la Philharmonie de Paris, du Châtelet et de l’Opéra Comique. Tous ces concerts, diffusés sur France Musique, peuvent être réécoutés sur le site Internet de Radio France. Chaque mois, certains sont aussi offerts en video streaming sur les sites d’ArteLiveWeb et de Radio France. L’orchestre est également présent sur les antennes de France Télévisions, Arte et Mezzo TV. Son activité discographique reste très soutenue, et plus de trois cents références sont disponibles en téléchargement sur iTunes.

Les musiciens de l’orchestre interviennent en milieu scolaire ainsi que dans les hôpitaux auprès des enfants malades. Avec Myung-Whun Chung, ils sont Ambassadeurs de l’Unicef depuis 2007. Ils ont imaginé une académie philharmonique pour les jeunes musiciens en collaboration avec le Conservatoire de Paris.

L’Orchestre Philharmonique de Radio France a créé un site Internet dévolu au jeune public. Il bénéficie du soutien d’un mécène principal, Amundi, et de partenaires réunis au sein de l’association ProPhil.

Créé par Pierre Boulez en 1976 avec l’appui de Michel Guy (alors secrétaire d’État à la Culture) et la collaboration de Nicholas Snowman, l’Ensemble intercontemporain réunit trente et un solistes partageant une même passion pour la musique du XX^e siècle à aujourd’hui.
 Constitués en groupe permanent, ils participent aux missions de diffusion, de transmission et de création fixées par les statuts de l’Ensemble.
Placés sous la direction musicale du compositeur et chef d’orchestre Matthias Pintscher, ils collaborent, aux côtés des compositeurs, à l’exploration des techniques instrumentales ainsi qu’à des projets associant musique, danse, théâtre, cinéma, vidéo et arts plastiques.

Ensemble intercontemporain © Aymeric Warmé-Janville

Chaque année, l’Ensemble commande et joue de nouvelles œuvres, qui viennent enrichir son répertoire.
En collaboration avec l’Ircam, l’Ensemble intercontemporain participe à des projets incluant des nouvelles techniques de génération du son.
 Les spectacles musicaux pour le jeune public, les activités de formation des jeunes instrumentistes, chefs d’orchestre et compositeurs ainsi que les nombreuses actions de sensibilisation des publics, traduisent un engagement profond et internationalement reconnu au service de la transmission et de l’éducation musicale.
 Depuis 2004, les solistes de l’Ensemble participent en tant que tuteurs à l’académie du Festival de Lucerne, session annuelle de formation de plusieurs semaines pour des jeunes instrumentistes, chefs d’orchestre et compositeurs du monde entier.
 En résidence à la Philharmonie de Paris (après avoir été l’Ensemble résident de la Cité de la musique de 1995 à 2014), l’Ensemble se produit et enregistre en France et à l’étranger où il est invité par de grands festivals internationaux.
Financé par le ministère de la Culture et de la Communication, l’Ensemble reçoit également le soutien de la Ville de Paris.

Chloé est une institution, une artiste électro suspendue entre les genres et les esthétiques, inclassable. Cette DJ et productrice française est une tête chercheuse, qui a développé une oreille unique et un son qui n’appartient qu’à elle. C’est ce son qui a fait d’elle l’une des artistes les plus recherchées de la scène musicale contemporaine. Elle a peu à peu fidélisé autour de son travail un public qui dépasse aujourd’hui de loin les frontières françaises. Dès 2002, elle sort EPs et remixs et, en 2007, son premier LP intitulé The Waiting Room (pour le label Kill the Dj, dont elle est la co-fondatrice) suscite les éloges de la critique.

En 2010, Chloé sort un deuxième LP, One in Other (sur Kill the DJ records), qui sera nominé aux prestigieuses Victoires de la Musique. Ainsi sa riche discographie inclut-elle des EPs sur différents labels tels que Karat, BPitch Control, My Favorite Robot et Throne of Blood. On y trouve également des remix pour de nombreux artistes tels que Miss Kittin, Troy Pierce, Fairmont, Sascha Funke pour ne citer que certains.

Chloé

Si c’est dans les clubs et festivals d’Europe que Chloé a aiguisé son talent de DJ, elle a su ouvrir son spectre musical en s’intéressant à d’autres façons d’aborder la musique électronique, notamment en s’intéressant à la performance live avec une approche électroacoustique : cela lui aura permis de collaborer avec divers arts. Ses spectacles audiovisuels live l’ont conduite à se produire également dans de nombreux espaces institutionnels, tant artistiques que musicaux, partout en Europe, y compris le Centre Pompidou parisien, où elle a interprété live sa pièce Chasser Croiser /le surréel et son écho, extraite du projet éponyme publié sous forme de livre-disque aux éditions Dis-Voir en 2011.

Collaborant fréquemment avec des artistes issus des mondes du cinéma, de la danse ou des arts visuels, Chloé a créé des pièces sonores, notamment pour la Cinémathèque de Paris (création live sur le dernier film muet de Hitchcock  «  Chantage » (1929)), et a travaillé avec des chorégraphes, dont Fabrice Ramalingum. En 2013, elle a collaboré avec l’artiste contemporain Anri Sala, sur un projet très applaudi par la critique, Ravel Ravel Unravel, qui sera choisi cette année là pour le pavillon français de la Biennale de Venise.

La personnalité musicale de Chloé est variée et éclectique, traversant de nombreux univers, mais c’est en tant que DJ qu’elle s’est toujours tenue à l’avant-garde de la musique électronique, jouant tout en finesse des morceaux techno décalés ayant des effluves d’influences diverses, elle se produit dans les clubs et salles les plus prestigieux, tels que le Robert Johnson, le Mondo et le Rex Club, tout en apparaissant régulièrement sur la route des festivals de musique. Chloé est aujourd’hui Dj résidente au Rex, club parisien pour lequel elle assure la direction artistique des soirées Lumière Noire. Elle y invite de nombreux DJs français et internationaux. Elle dirige également une collection du même nom hébergée sur le label Kill the Dj avec l’intention de « mettre en lumière des artistes en devenir ou dont la réputation n’est plus à faire ».

Elle travaille aujourd’hui sur des nouveaux projets tout en poursuivant son évolution esthétique, élargissant toujours son travail et ses collaborations.

Listentochloe.com

Francesca Verunelli étudie la composition avec Rosario Mirigliano et le piano avec Stefano Fiuzzi au conservatoire de Florence, où elle obtient ses deux diplômes avec distinction. Elle complète sa formation dans la classe d’Azio Corghi à l’Académie nationale de Sainte-Cécile à Rome. Elle participe ensuite au Cursus de composition et d’informatique musicale de l’Ircam. Son travail à l’Institut sera couronné par la création de Interno rosso con figure pour accordéon et électroniques, par Anthony Millet, et de Play, pour ensemble et électronique par l’Ensemble Intercontemporain sous la direction de Susanna Mälkki, en octobre 2010 au Centre Pompidou. La même année, elle est distinguée du Lion d’Argent de la Biennale de Venise.

Francesca Verunelli © Jean Radel

Elle reçoit des commandes d’éminentes institutions festivals musicaux, parmi lesquels l’Ircam, les NeueVocalsolisten Stuttgart, La Biennale di Venezia, l’Orchestre Philarmonique de Radio France, Milano Musica, le Chœur de Chambre Accentus, l’Orchestre Symphonique de Lucerne, Maggio Musicale Fiorentino Orchestra, l’ensemble Court-Circuit, le Festival d’Aix-en-Provence, le GMEM de Marseille, le CIRM de Nice, l’état français, la fondation FACE. Elle est aujourd’hui compositrice en résidence au GMEM de Marseille.

Parmi ses prochains projets, citons la création mondiale, à New York, d’une nouvelle pièce pour flûte et électronique, écrite spécifiquement pour Claire Chase et deux pièces d’ensemble : l’une intitulée Canzoniere elettrico — commande conjointe de l’International Contemporary Ensemble of New York et GMEM — sera créée en mars 2016 au Miller Theatre de New York) — et l’autre, Déshabillage impossible, commande de l’ensemble 2E2M, qui la créera en février 2016 dans le cadre du festival Présences de Radio France. Le programme ECHO – Rising Star lui a passé commande d’un nouveau quatuor à cordes (Secondo Quartetto) destiné au Quatuor Zaïde : leur tournée — qui débutera en novembre 2015 — fera entendre l’œuvre à Cologne, Luxembourg, Baden Baden, Barcelone, Paris, Budapest, Vienne, Hambourg, Bruxelles, Amsterdam, Birmingham, Londres, Lisbonne, Stockholm, Porto.

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Alberto Posadas © Lucia Morate

Né à Valladolid (Espagne), Alberto Posadas y débute ses études musicales qu’il poursuit à Madrid. En 1988, il rencontre le compositeur Francisco Guerrero, qu’il considère comme son maître véritable ; avec lui, il explore de nouvelles formes musicales grâce à l’utilisation de techniques comme la combinatoire mathématique et la théorie fractale. Cependant, l’autodétermination et la quête constante pour l’intégration de l’esthétique dans ces procédés mathématiques amènent le compositeur à rechercher d’autres modèles pour la composition, notamment la transposition en musique d’espaces architecturaux, l’application de techniques issues de la topologie et de la peinture dans une relation à la perspective, ou encore l’exploration des phénomènes acoustiques des instruments de musique à un niveau microscopique.

C’est en autodidacte que Posadas commence à s’adonner à la musique électroacoustique, se l’appropriant à travers plusieurs projets dont Snefru (2002), Versa est in luctum (2002) ou encore Cuatro escenas negras (réalisé à l’Ircam en 2009). Plus récemment, son intérêt pour l’implication du mouvement dans la transformation électronique du son l’a conduit à participer à un projet pluridisciplinaire mis en place par l’Ircam : Glossopoeia, créé en collaboration avec le chorégraphe Richard Siegal en 2009.

Depuis 1991, Alberto Posadas est professeur d’analyse, d’harmonie et de composition au conservatoire Mahadahonda à Madrid et est régulièrement invité comme conférencier dans divers cursus de musique contemporaine.

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